カメラとの出会い

──初めてカメラを持ったのはいつですか？

万城目：新社会人になった時で、2015年からです。社会人になってやることがなくなったんですよ。大学時代に音楽とか色々やっていたものの、一通り終わってしまって「じゃあ何やろっかな？」と。そんな矢先、カメラに触れる機会があって、そこからカメラに夢中になり、今に至ります。

──LUMIXのカメラと出会ったのはいつからですか？

万城目：2021年にLUMIX S5と出会いました。それまでは他のメーカーのカメラを渡り歩いていたのですが、S5を触っていたら意外と手に馴染み、そこからはLUMIX。色味も良いし、階調も良いし、“解像感”も良い。AFだけは少し課題ですね。デジタルでしっかり撮影する時は、写真も動画もLUMIXが多く、スナップ写真など、少し味を入れたいときはLeicaを使っています。

写真において色は重要か否か

──今回立ち上げた「LUMIX Color Lab」にスチル部門のフェローとして参加いただく万城目さんにとって、写真の色づくりについてどうお考えですか？

万城目：色に正解はありません。
モノクロでも、カラーでも、撮って出しの色でも、現像して自分が突き詰めた色は、どんな色でも良いのです。結局は、自分が表現したい「作品」という最終目的地に達するためのアプローチの一つでしかない。日常的なスナップ写真や動画は、どちらかというと記録的な要素が強いから、別にどんな色でもいいんですよ。
でも、やっぱり「作品づくり」なら色は突き詰めるもの。僕は「こんな作品がつくりたいんだ」っていう思いがあるので、その思いを表現するために色づくりをして作品に反映しているのです。

──作りたい作品を表現するためのアプローチの一つとして色を使っているのですね。

万城目：そうですね。すごく単純に言うと、例えばエモいと感じる写真があって、そのノスタルジーを表現するために暖色を選ぶ。あるいは、怒りや恐怖を表現したいから赤を使う。色は写真を構成する要素のひとつで、映像作品のカラーグレーディングに近い考え方かなと思います。
ただ、僕自身はそういうことに、物凄くこだわってるわけではありません。

──色にこだわらないということでしょうか？

万城目：SNSで自分を表現する手段としての「写真では色が重要」ということは分かります。でも、僕はSNSに投稿するために写真を撮っているわけではないので、そういう意味で「こだわっていない」ということです。SNSを見ていると、みんな小手先で色をつくっているので残念だなと思うんですよ。
例えば、シティスケープの写真だったら、みんなが同じような「シティスケープ的」な色味で均一化された写真ばかりを投稿している。「みんなやっているから、それをやっているだけ」とか、「いいね」がたくさんつくから良い写真、あるいは良い色だって感じているだけ。自分の本当のルーツと照らし合わせてみて、「“本当に自分が求めている思い”が伝わるか？」を深掘りされていない写真。
自分が突き詰めていない色を、僕は「小手先の色」と呼んでいます。

──「小手先の色」から脱却するにはどうしたら良いでしょうか？

万城目：写真は「撮る数」と「見る数」、「この写真の何が良いのか？」を考える数が増えてくると、読み解く力がついていきます。「ああ、この人はこれが言いたいんだね」ということが分かるようになります。数をこなす経験が必要なのです。その経験が培われると「このユニークなシチュエーションは、あえてビビッドで魅せる」とか、「ここは色でごまかさず対象物にフォーカスさせたいから色はフラットにする」という、選択も生まれるかと思います。

LUMIXの表現する「色」

──LUMIXが表現する色の特徴を言語化すると？

万城目：LUMIXの色って、素直なんですよね。
被写体を見て「なんか良いなあ」って思った気持ちのままで撮れる。言ってしまえば「自分のやりたい作品づくりを邪魔しない存在」、素直に魅せてくれるということです。
「記憶色」でもない、「忠実色」でもない、その中間ぐらいの感覚で撮れるので、撮った写真を見たらその瞬間のシチュエーションや感情がたくさん思い浮かぶように感じます。
それと、今まで使ってきたカメラの中でも、立体感や彩度の“解像感”は圧倒的に良いです。LUMIX S5の有効画素数は2,420万画素しかないのに、階調が優秀だから、トリミングしても4,000万画素ぐらいの解像度に感じます。僕がLUMIXを推しているのは、色味だけではなく、この“解像感”も大きいですね。

──階調ですか？

万城目：階調が良いと、グラデーションも綺麗に見せられるんですよ。青空、水中、葉っぱ、太陽光が差し込んだ筋（光芒）とか、色々なところに発生したグラデーションが、他のカメラとは全然違います。
それと、LUMIXは良い意味で「色のクセ」があって、レンズの性能もよくて、立体感のクセもちょうどいい具合です。スッキリしすぎても味わいのない写真になってしまうところを、「素直な色」と「良いクセ」がいいバランスで両立してるところが僕は好きです。

──色に対して「意識していること」はありますか？

万城目：個人的なルーツとして、フィルムの色が正解だと思っていて、よく作品に再現します。
正確には、フィルムだけではなくて印画紙、写真集などのプリントしたものといった物理的に存在している色と言った方がいいでしょうか。このアナログな世界観の色を良い色と感じるので、追求することが多いですね。作品づくりは「この色気持ち良いなあ、好きだなぁ」というゴールを決めてから動くので、それに向けて再現していく形になります。

──フィルムの色の再現と、LUMIXの相性はいかがですか？

万城目：良いです。個人的にLUMIXは一番触りやすいですね。そもそもフィルムって、デジタルデータでは再現できないくらいの豊かな階調を持っているんですよ。それを再現するには階調の良いRAWデータで撮影できるカメラじゃないといけません。LUMIXはそれができると感じています。

──LUMIXのフォトスタイルは使っていますか？

万城目：L.クラシックネオは使っています。アメリカの80年代のニューカラーっぽい、ちょっとクセのあるフォトスタイル。それに近い気持ち良さ、抜けの良さを撮って出しで再現できるので使います。LUMIXは撮って出しでも品質が良いので、僕の場合、現像しないこともよくあります。フォトスタイルを使わずに、スタンダードでJPEG撮って出し。白映え、肌色、ホワイトバランスが全部良く、クオリティが高いのでよく使います。

──ユーザーが自分の表現したいものを表現できるようになるにはどうしたらいいでしょうか？

万城目：自分が表現したい作品に対する感性を研ぎ澄ませ、自分の興味を自覚し、どうしたいかを考えることをするべきかなと思います。それにはまず、「自分の手に馴染む色」を見つけることが必要です。この「自分の手に馴染む色」は「自分の好きな色」ではありません。僕の場合、好きな色は写真ではあまり使わない「黒」なんです。だけどよく使う色、「自分の手に馴染む色」はオレンジ系統が多いんです。別にオレンジは好きな色ではないんですよ。
僕が表現したい作品の多くが、よくオレンジ系統に馴染んでいるため、必然的にオレンジを使うことが多いんです。
この、「自分の手に馴染む色」を見つけるためには、フォトスタイルを使わずにスタンダードで1万枚ぐらい撮っていると、自然に「この色をよく使っている」と自身の傾向や系統、潜在的に「自分の手に馴染む色」が見つかってくると思います。
この果てしない作業を繰り返して、「自分の手に馴染む色」を見つけてください。
なぜなら、この色は、写真から教えてもらうしかないからです。

──万城目さんは今後「LUMIX Color Lab」でどのようなことにチャレンジしていきたいと思っていますか？

万城目：それぞれのプリセットを“共有“できるプラットフォームやコミュニティがあると良いと思っています。プリセットを「買う」というよりも「共有する」こと、ここに重きを置きたいです。
一方向からの提供だけでなく、この「LUMIX Color Lab」を通じて、僕の言葉で言う「自分の手に馴染む色」をみなさんに見つけてもらい、さらにそれを共有する。ストックフォトではなく「ストックプリセット」のようなイメージで、インフルエンサーだけではなく多くのクリエイターが気軽にプリセットを公開することができる仕組みができると、そこで知見を広めることもできて面白いと思います。
座談会や展示会なんかも実施していけるといいですね。
そうすることで、新しい気づきも生まれると思いますし、「LUMIX Color Lab」のコンセプトでもある「新たな表現を切り拓く」ことに繋がっていくと思っています。

写真・LUMIXとの出会い

──写真を始めたきっかけは何ですか？

もともと機械や機構といったメカに興味があり、10歳前後の時だったと思いますが機械としてのカメラに注目したのが写真を始めるそもそものキッカケになります。初めてのカメラはスプリングカメラという蛇腹を持つカメラでしたが、壊れていました。しかし構造が面白かったことをとても良く覚えています。絵を描くことが苦手だったこともあり、カメラがいとも簡単に光景を写し撮ることが出来るので、そこから写真に興味を持つようになりました。

──写真を仕事にしたいと思ったのはいつ頃からですか？

写真に携わる仕事がしたいと初めて思ったのは高校生の時、1997年の話になりますがロバート・メイプルソープの写真展を観た時です。写真があまりにも美しくて見惚れてしまいました。この時に漠然と「写真を撮る仕事がしたい」と思うようになりましたが、自動車が好きだったこともあり内燃機関のエンジニアを第一志望として考えていました。

──LUMIXに出会ったきっかけを教えてください

LUMIXとの初めての出会いはコンパクトデジタルカメラの評価業務に携わっていた2005年になります。機種名は忘れてしまいましたが、比較対象機であったLUMIXの使用感と、撮影したデータをプリントした際の印象がとても良かったことがいまでも鮮明に思い出されます。

LUMIXに再び注目するようになったのは2014年にLX100が登場した時のことになります。カメラ誌でテストをしてみてその描写と絵作りの良さに感心しました。またフルサイズのSシリーズが登場した際にやはりテストをしてみて、フルサイズというセンサーサイズよりも、もっと大きなセンサーフォーマット機で撮影したかのような立体的な描写と、滑らかでかつハイエストライトやディープシャドーへと自然に消失していく見事な階調表現に思わず目を奪われました。

写真における「色・表現」に関して

──写真における「色（表現）」とは何でしょうか。

概念的な話を含みますが、基本的に色はとても繊細で扱いの難しいものだと考えています。
色は、体調や感情、また環境光の影響といった広い意味でのコンディションによって感じ方が大きく変化する繊細なものです。さらに言えば鑑賞者に対して感情の方向性を付与する効果を持っています。これは、人間は顔色から体調を判断する（顔色が悪い・血色が悪いなど）という特殊な能力や「空気を読む」といった共感性を持っていることに起因していると考えています。
また、色から受ける印象は個人差や経験等によっても振り幅が大きく、色が持つ影響を踏まえた上で色を定義することは非常に困難であると考えています。
例えば、「空色」と言われればスカイブルーのような色を想像するかも知れませんが、空のブルーというジャンルに限定しても紺碧から薄い水色まで沢山の色を内包していますし、色覚多様性など個人差も大きく、その時の気分によっても思い浮かべる色は異なります。

以上のような考えを持っていますので、「写真における色・表現」とは、繊細でかつとても個人的というか主観的なものであると思っています。ですので「写真における色・表現」の理解は自由で良いと思いますし、「撮影者が心地良いと感じられる」ことが写真を楽しむ上では重要です。

──心地いいと感じられる表現をするうえでの豊田さんのこだわりは何でしょうか

ライフワークとしての写真の場合の話になりますが、心地良い色を表現するうえで、「肌に合うカメラを使う」、というのがこだわりかもしれません。肌に合うという言葉は漠然としていますが、スペックや性能だけで選ばず、画像も含めてピンと来るカメラという意味です。

基本的には大量に撮影しますので、RAWデータをいちいち自分好みに合わせ込む作業をしていては時間がいくらあっても足りません。ですので、カメラが自分好みの表現をしてくれるかどうか、カメラJPEGの時点でどれだけ完成度を高めておけるか、が重要となります。

誤解されることが多いのですが、カメラJPEGというのはとてもハイクオリティにできています。メーカーが時間とお金と威信を掛けて開発し採用しているものであり、そのメーカーに対するブランドイメージやカメラの魅力を表現するものだからです。

私は写真表現に関わるお仕事をしていますので、編集や調整に関しては多少のノウハウを持っていますが、それでもカメラJPEGの美しさを越えるのは困難な作業になります。ですのでカメラが持つ強みを最大限活かし、効率的に事を進めるためにもカメラの絵作りに対する理解と、どれだけ少ない手数で心地良い再現に出来るかどうか、についてを知ることは大切です。
カメラへの理解を深めるとそこには発見がありますので、そうした発見の積み重ねがインスピレーションとなって「こんな表現や撮り方が面白いのではないか？」という原動力につながっています。

──撮影の際にこだわっている表現方法などがあれば教えてください

モノクロ表現と粒状を用いた表現手法にはこだわりがあります。モノクロにつきましては、写真の基本はモノクロであるという考えを持っていることと、単純にモノクロ表現が持つ被写体のカタチを陰影というシンプルな要素で再現することが面白いからです。また粒状を用いる理由については、少し話が長くなるのですが、もともと写真で音を表現したいという想いがありました。音を表現するにはどうしたら良いのだろうか？と考えた時に、「音」の仕組みについて学ぶことからはじめました。音とは空気の振動で波として伝わるものになります。この空気の振動は、鼓膜に届いた段階では情報の取捨選択が出来ておらず、いわゆるノイズのような状態となっていて、脳が処理することで音として認識されます。

ここで「ノイズ」について注目してみました。まず真っ先に思い浮かんだのがデジタル放送以後は見る機会が減ってしまいましたが、テレビのザーッといういわゆる「砂漠」になります。これを画像に加味することで、少なくともザーッという音は表現出来るのではないか？と連想し、写真で音を伝える手段として粒状を用いた粗粒子表現に目をつけ高感度フィルムを使った作品作りをしていました。
また結果論ではありますが、ノイズ成分にはディザリング※1という補完効果があり、画像の階調性をなめらかに見せる働きがありますので、結果として写真に立体感を演出する効果があります。

※1ディザリング
少ない情報に対してノイズ成分を加えることで情報を補完して知覚させること。
例えば、白と黒の2色しか利用できない場合に、1ピクセルごとに白と黒を切り替えて市松模様の領域（縮小して見るとノイズのように見える）を作ると、その部分は人の目には灰色に見える。この原理を利用して、使用可能な色の中からいくつかの色を互いに近づけて配列することで、単純に最も近い色で塗りつぶすより自然な見た目にすることができるのです。

そういった発見や疑問からテーマを設定し、想像力を働かせることを楽しんでいます。つい最近でもデバイスの特性を活かした撮影手法を編み出しましたので、そちらで新たな表現が出来ないかと試行錯誤しています。

LUMIXの表現する「色」「絵作り」

──LUMIXの色に関してどのように感じていますか？

とても自然で心地良い再現だと感じています。忠実色と記憶色の丁度良いバランスなので、写真を眺めていて撮影時の感動や感情が蘇ります。通常、忠実寄りの絵作りでは記憶との乖離が大きくなりアッサリした印象になってしまいがちです。その一方で記憶寄りの絵作りですと現実と比べて派手過ぎる再現になりやすいという難しさがありますが、LUMIXの色はそのバランスが丁度良く、長時間眺めていても飽きたり物足りなさを感じたりすることがなく、その世界に没頭できる美しさがあると思っています。これはどのフォトスタイルにも共通していて、機能をアピールするための機能になっていません。
L.系のフォトスタイルについては、色々と撮影を重ねていくうちに、かつてよく使っていた銘柄のフィルムであったり、巨匠の写真のような表現をカメラがすることがあるという気付きがありました。そこで「ひょっとして、開発チームにあのフィルムや写真集を知ってる人が居るのかな？」と思ったりするのも楽しいですし、同じ「好き」を愛する人がいると思うと親近感が湧いてきたりもしています。

──LUMIXの絵作りに関してはどのようにお考えですか？

LUMIX Sシリーズが登場しレビューを行った際に、フルサイズとは思えないような描写力に驚きました。同じくレビューを行った先輩カメラマンに話を聞いたところ、彼も同様の印象を持っていたので「自分だけじゃなかった」と安心したことを覚えています。開発者インタビュー※2でLUMIXの画像設計チームの取材をした際に「フルサイズ以上のフォーマットで撮影したような感じがする」と伝えたところ「我々はマイクロフォーサーズでとても苦労しました」という笑い話から始まり、フルサイズセンサーが持つ素性の良さにマイクロフォーサーズで培ったノウハウを加えることでこれほどの描写になるのか、という驚きが開発チームにもあったことを聞きました。

そういった開発者の驚きを製品を通して追体験するのはとても楽しい時間であり、現在約1年ほどS5も使っていますが未だに「こんなに写るのか！」という驚きがあります。
加えてLUMIXの絵作りはとても中庸でいて高い次元でバランスしています。突出した特徴は時として目障りになってしまうことがありますが、LUMIXの絵作りはそれがありません。表現は良くないかも知れませんが「余計な事をトコトンしない絵作り」です。それでいて素のままでも十分に美しいので調整も少なくて済みます。LUMIXでは絵作り思想として「生命力・生命美」を掲げています。海外版では「Capturing It All」と表現されていますが、まさにそのとおりで、全てをありのままに写し撮ってくれるので、先程述べた通り素のままで十分なクオリティがあり「手間いらず」なところが気に入っていますし、フォトスタイルの調整で自然さを維持したまま自分色にも染められる懐の深さも魅力的です。またシグマレンズが使えることもLUMIXの魅力です。

※2 開発者インタビュー
「パナソニックが目指す「生命力・生命美」とはどのような画質設計なのか」前編
「パナソニックが目指す「生命力・生命美」とはどのような画質設計なのか」後編

──フォトスタイルとはどのようなものとお考えですか？

フォトスタイルはフィルム時代に好きな銘柄をシーンに合わせて使い分けるような感覚のものだと考えています。上述の通り、写真の基本はモノクロだと考えていますので、L.モノクローム系の特にDとSは好みの表現なので常用しています。カラーではL.クラシックネオとスタンダードを選ぶシーンが多いですが、LUMIXらしさを楽しみたい時にはL.クラシックネオですが、被写体に注目したい時はありのままを捉えてくれるスタンダードを選びます。また最近フラットの魅力に気付いたのでフラットばかり使っています。オリジナルの調整をLUMIX Color Labで公開していますので参考にしてみてください。

私事ではありますが、フィルム時代にはネガフィルムはコダックを使っていました。特にL.系のフォトスタイルはコダックの再現に近いと感じています。
またフォトスタイルの調整は基本的にやっています。カラーではハイライトを下げてシャドーを持ち上げてコントラストを下げる調整にしています。モノクロでは逆にコントラストを高め、フィルター効果も利用してダイナミックな表現にしてみたり、ローキーで重厚感のある調整にしています。

──ユーザーがより写真を楽しむために、豊田さんの想いを教えてください

フォトスタイルはどの設定であっても1日を通して撮影が楽しめる絵作りになっています。言い換えれば、あらゆるシーンや撮影条件に対して適正がある、ということです。そのため、それぞれの絵作りの特徴や得手不得手など気にすること無く、失敗を恐れず色々なフォトスタイルで撮影を楽しんで欲しいと思います。またRAW＋JPEG記録しておけば撮影後に異なるフォトスタイルを適用してみることで「新しい発見が得られる」可能性もあります。

撮影の楽しさはイメージを具現化することだけではなく、こうした発見をもとにさらに想像をふくらませ、次の撮影へと想いを馳せることもまた写真の醍醐味です。撮影の時間を作れない時でもボディ現像でカメラへの理解を深めることが手軽に出来るのはLUMIXの良いところでしょう。そうした経験を踏まえてLUMIX Color Labでフォトスタイルやフォトスタイル調整のヒントを得て自分だけのレシピを作ってみるのもオススメですし、あらたなアイデアが出てくるかも知れません。

フォトスタイル調整の良いところはカメラの画像処理エンジンを利用して安定して一貫性のある絵作りを手軽に構築することが出来る点にあります。フォトショップなどの写真編集アプリで大量の画像に統一感のある絵作りを適用しようと思うと非常に大変で特殊な技術が必要になってきます。しかしフォトスタイルを作り込むことができれば、難しいことはカメラが担ってくれ、後処理の時間を大幅に短縮させることが出来るので、ワークフローの効率化が図れます。さらに言えばカメラが生成するJPEG画像はとてもハイクオリティなので、効率化と高品質が両立できるお得な手段でもあります。

カラコレ＆グレーディング作業のながれ

ワークショップでは、まずShukei氏が動画制作の全体像について、おおよそ6つの手順に分けられると解説した。

1　撮影
2　PC上でデータ整理・大まかな動画の構成を検討
3　素材のカット編集
4　カラーコレクション（カラコレ）
5　カラーグレーディング
6　エフェクトやテロップの追加

今回のワークショップは5番目、カラーグレーディングをLUTを用いて行う趣旨だが、Shukei氏はまずその前のカラーコレクションが大切だと話す。その理由はプロの現場におけるカラーワークフローにある。プロの撮影では、色情報豊かに撮影できるLog撮影が多く活用されているが、Logのデータはハイライトとシャドウの情報がかなり多いため、そのままではコントラストや彩度が低い画となる。そのため、カラーグレーディングを行う前に、見た目をノーマライズする必要があるのだ。具体的に調整する要素は次の4点である。

1　露出（Exposure、エクスポージャー）
2　コントラスト
3　彩度（Saturation、サチュレーション）
4　ホワイトバランス

調整が済み、見た目がフラットになった画に対して、作品のテイストやトーンを表現するための色づくりがカラーグレーディングである。ハリウッド作品でも多く見られるシネマティックな「ティール＆オレンジ」（またはオレンジティール）は、画面全体に青やオレンジを乗せたカラーグレーディングの一例だ。カラーコレクションはある程度のルールがあるのに対して、カラーグレーディングには正解はない点が面白いところである。

セミナーでは照山氏がDavinci Resolveを用いたカラーコレクションとカラーグレーディングの手順を実演した。

「カラー」ページのノード構成は下図の通り。

処理は左から右にながれている。まずはカラーコレクション用の露出とコントラスト、ホワイトバランスが並び、続いてグレーディング（上から、 色相 vs 色相、色相 vs 彩度、 色相 vs 輝度、 輝度 vs 彩度）、その後にカラーコレクションの仕上げになるカラースペース変換、続いてRGBカラーの微調整（カスタム）、最後に白を白に、黒を黒に戻す最終調整（ 輝度 vs 彩度）というノード構成になっている。

ここでポイントとなるのは左から4工程目のカラースペース変換で、LUMIXのV-Log映像を一発でノーマライズするために使用している。具体的には、「入力カラースペース」に「Panasonic V-Gamut」、「入力ガンマ」に「Panasonic V-Log」を指定し、出力カラースペースにはタイムラインカラースペースの「Rec.709-A」を指定している。これを4工程目に配置している理由は、カラースペースの変換後にグレーディングを行ってしまうと、仮に演色後に色が飛んでも色が戻ってこなくなってしまうためだ。

また照山氏は最後の「 輝度 vs 彩度」もポイントだと話す。「真っ白い部分に色が被っていると気持ち悪いですよね。なんだか安っぽいフィルタをかけた動画のように見えてしまいます。黒も同じで、黒い部分に例えばティール＆オレンジの色が被ってしまったら、とても安っぽい映像に見えます。白は白、黒は黒としっかり色を締めるために、 最後の 輝度 vs 彩度を使っています」。

LUMIX Color Lab Shukei氏のオリジナルLUT

基本的なカラーコレクションとグレーディングの解説を終え、本ワークショップは本題となるLUTの解説に移った。

LUTは、先ほどの解説のように、ノードをいくつも使用してつくり上げたカラー調整をプリセット化したもの。LUTを動画素材に適用することで簡単にその世界観を再現でき、カラーグレーディングの時間短縮にも繋がる。

今回、Shukei氏はLUMIX Color Labのために4種類のLUTを作成。「旅によく出てくるシーンを想定して、様々な景色に合わせた4種類を、コントラスト弱めと強めの2つずつLUTにしました」（Shukei氏）。

LUMIX Color LabのLUTダウンロードはこちらから。
https://lumix-base.jpn.panasonic.com/color-lab/

ではLUTをひとつずつ見ていこう。

1　S-Teal & Orange

いわゆるティール＆オレンジを再現できるLUT。映像内でオレンジに近い色をよりオレンジに寄せ、水色に近い色をより水色に寄せる。「4種類の中では万能なLUTかなと思っています。特に海辺や雪景色と相性が良いのですが、基本的にどんなシーンでも活用できるはずです」（Shukei氏）。

2　S-Deep Forest

森の中のシーンなど、綺麗な緑をしっかり出すことにこだわったLUT。緑が多いシーン全般と相性が良く、夏の草木が生い茂った山などでも有効に活用できる。

3　S-Golden Hour

全体的にオレンジ色に寄せた色味がベースの、夕陽の時間帯を強調したルックに仕上がるLUT。「特に夕陽が沈む直前の柔らかい光が入る時間に当てると、すごく綺麗なルックになると思います」（Shukei氏）。

4　S-Night Time

シャドウに青緑を加え、ハイライトを黄色とオレンジに寄せた、夜のシーンで活用できるLUT。「街中のイルミネーションや夜景、キャンプなど、夜のシーンを雰囲気良く強調できるLUTです」（Shukei氏）。

LUT活用のハンズオン

LUT4種の紹介後、ワークショップはShukei氏主導でLUT活用のハンズオントレーニングへ。

まずはDaVinci Resolveを起動し、画面右下の①歯車アイコンから②「プロジェクト設定」を開く。カラースペースを適正化するために③「カラーマネジメント」→④「出力カラースペース」を⑤Macの場合は「Rec.709-A」、Windowsの場合は「Rec.709 Gamma 2.4」に設定。その下の⑥「LUTフォルダーを開く」ボタンを押し、開いたフォルダに今回のLUT4種をコピーする。
※⑥で開いたフォルダにはデフォルトでDaVinci ResolveのLUTが複数入っており、そこに適用させたいLUTをドラッグ&ドロップで追加することができる

続いて「エディット」ページで動画素材をメディアプールに読み込んでタイムラインに並べ、「カラー」ページで画面左上のLUT一覧からクリップにドラッグ＆ドロップすればLUTの適用は完了だ。

※LUTの使い方に関してはこちらでも確認することができるhttps://lumix-base.jpn.panasonic.com/color-lab/#howtolut

LUTの適用方法がわかったところで、手順としては前に戻ってカラーコレクションの実践に移る。画面右下にはスコープを「パレード」で表示し、赤緑青の3色の分布が見えるようにする。左下は「プライマリー - カラーホイール」を表示しておく。

クリップのプレビュー右にあるノードビューでShift＋Sキーを2回押してノードを2つ追加。最初に追加されたノードを選択して、スコープを見ながら今回の場合はカラーホイールの「リフト」を「-0.02」、「ゲイン」を「1.10」に調整。リフトではシャドウを下げ、ゲインではハイライトを上げたことになる。

「ハイライトはスコープで上から2番目のライン、890あたりにしています。これ以上にすると空が飛んで情報がなくなってしまうというギリギリのラインで、このくらいにしておくと、コントラストがついていい明るさになると思います」（Shukei氏）。

以上で露出調整は済んだので、続いてホワイトバランスの調整。2つめのノードを選択して、カラーホイールの上にある「色温」でカラーバランスを調整する。「パレードで赤と青の上のほうを比べると、青が気持ち上がっています。これはつまり全体的に青かぶりになっているということです。そこで『色温』を青からオレンジに寄せて、色かぶりをなくします」（Shukei氏）。

LUMIXでの撮影のコツ

LUTのハンズオンでは参加者からの積極的な質問も飛び交い、充実した学びになった様子の会場。続いてShukei氏からLUMIXでの撮影のポイントに話が及んだ。「LUMIXで撮影するときは、『フォトスタイル』を『V-Log』にして、『動画記録形式』は『10bit』にして撮るのがお勧めです」。

V-Logかつ10bitで撮影することにより、ポスプロ工程に適した階調豊かな動画素材が撮影でき、LUTの適用を含めたグレーディング時に伸びやかな階調表現が期待できるということである。

また、「撮影段階で白飛びや黒つぶれが起こらないように、ゼブラやヒストグラムを活用して正確な明るさで撮影するようにしましょう」とShukei氏。特に青空の屋外で人物を撮る場合、人物を基準に露出を合わせると空が飛んでしまうことが多いと注意を呼びかけた。

なお、LUMIXの「V-Logビューアシスト」機能を使うと、内部にLUTを4つインストールすることができる。撮影自体はV-Logで行うが、カメラの液晶モニタでのプレビューはLUTを当てた状態で行える。最終イメージが確認しやすくなる、便利な機能だ。

この後ワークショップは質疑応答タイムを経て締めくくられた。カラーコレクションの基礎からLUTの活用したグレーディング、そして撮影のTipsまで盛りだくさんの内容となった本講座。照山氏とShukei氏に近い距離感で参加者が学んでいる様子が印象的だった。

LUMIX Color Labは今後も色表現の幅を広げる様々な情報を提供してくれる。ぜひ活用してみてほしい。